OMA / デイヴィッド・ジャーノッテンの会場構成による、オランダの「State of Fashion Biennale 2026」です。
ファッションを社会的な存在として捉える展覧会です。建築家は、“視覚的スペクタクル”と“隠れた物語”の両面の理解を促す為、表が金属仕上げで裏を木造露出とした展示パネルを考案しました。そして、表側で完成品を見せて裏側で舞台裏を明かします。
展覧会の会期は、2026年6月28日まで。公式サイトはこちら。

こちらは建築家によるテキストです（翻訳：アーキテクチャーフォト / 原文は末尾に掲載）

ステート・オブ・ファッション・ビエンナーレ2026

アルンヘムの聖エウセビウス教会と隣接する広場で開催されるステート・オブ・ファッション・ビエンナーレ2026は、ファッションを単なる完成品の集合としてではなく、ファッション文化を形成し社会に影響を与える、より広範でしばしば目に見えないエコシステムとして考察します。

サプライチェーン・ロジスティクスに由来する用語「Available to Promise（アベイラブル・トゥ・プロミス）」をタイトルとする本展覧会は、ファッションアイテムの背後にある物語を明らかにし、照らし出すことを目的としています。OMA*AMO／デイヴィッド・ジャーノッテンによる会場構成は、これらのキュレーション上の目的との緊密な対話を通じて展開されています。このデザインは、展覧会を体験する二つの異なる方法を提供する重層的なアプローチを採用しています。すなわち、ファッションアイテムの視覚的スペクタクルと、それらに内包された隠れた物語の深い読解です。

祭壇に合わせた中央軸線が展示内の主要な動線を規定しており、その周囲に展示内容が構成されています。この軸線の両側にはパネルの列があり、それぞれが反射性のある金属仕上げの表面と、背面に露出した木構造を備えています。洗練された表面は、完成されたファッションアイテムを展示するための背景となっています。木製の背面は、その構造フレームを露出させるとともに教会のゴシック構造に呼応し、比喩的な「舞台裏」として機能しています。そこでは、天然資源、労働、物流に関する物語が紹介されています。来場者はこの軸線に沿って移動し、表面が生み出すスペクタクルに注目するか、あるいはパネルの背後に回り込んでその背後にある物語を発見するかを選ぶことができます。金属面に設けられた開口部からは、木構造を垣間見ることができます。

パネルは、develop（開発）、distribute（流通）、hype（話題化）、experience（体験）、transform（変容）という展示テーマに対応した5本の平行する帯状に配置されています。ナルテックス（前室）の近くには、一段高く設けられたトリビューンとライブラリーがあり、ラウンジやワークショップのための空間を構成しています。トリビューンからは、来場者は「ショー」を思索的な態度で鑑賞することができます。

屋外の教会に隣接する市民広場では、金属製の外装と木造の内部構造をもつパヴィリオンが、公開されたサテライトスペースとして機能しています。五角形のパヴィリオンには、それぞれ5つのテーマの柱に関連するコンテンツを紹介する、5つの異なるスクリーンが設けられています。可動式のベンチが、この空間をトークイベント、映画上映、ファッションショーなどに柔軟に利用することを可能にしています。その扉は教会の中央軸線に合わせられており、展示の空間的かつ概念的な連続的延長を生み出しています。

OMA / 重松象平が空間デザインを手掛けた、タイでの展覧会「ヴィジョナリー・ジャーニーズ」です。
老舗百貨店でのルイ・ヴィトンの展示です。建築家は、過去の専用エリアでの展開と異なり、建物の構成を活かした“小売空間と公共空間を繋ぐコネクター”としても構想しました。そして、11のテーマ別ギャラリーと2つのインスタレーションを考案しました。
アーキテクチャーフォトでは、OMA / 重松象平が手掛けた、タイでの「ヴィジョナリー・ジャーニーズ」展と、大阪での「ヴィジョナリー・ジャーニーズ」展も特集記事として掲載しています。

こちらはリリーステキストです（翻訳：アーキテクチャーフォト / 原文は末尾に掲載）

OMA / 重松象平による、ルイ・ヴィトン ヴィジョナリー・ジャーニーズ ソウルが、新世界にて開幕

ヴィジョナリー・ジャーニーズ ソウルは、新世界「ザ・リザーブ」にて開幕しました。本展は、ルイ・ヴィトンが展開する小売、食、文化を融合させた新たな多層的体験の一環として行われます。OMAの設計による本展では、テーマごとに構成された空間において、200点以上の作品が展示されています。それは、クラフツマンシップ、革新性、そしてメゾンの多様な創造性を際立たせる、永続する遺産を示しています。

ソウル、2025年11月28日 ― バンコクの「LV ザ・プレイス」（ゲイソーン・アマリン、2024年）および上海の「ザ・ルイ」（タイクー・フイ、2025年）での「ヴィジョナリー・ジャーニーズ」に続き、ソウル展は刷新された旗艦体験の一環として開催される最新のエディションです。「LV ザ・プレイス ソウル」の文化的中核として、本展はルイ・ヴィトンの歴史的および現代的なアイデンティティを、演出された旅を通じて伝えるように設計されています。

新世界百貨店本店の複数のフロアを占める「ヴィジョナリー・ジャーニーズ ソウル」は、小売に特化した歴史的建築物内でこれほど大規模に展開される初の展覧会エディションです。本展は、今回初公開となるものを半数含む11のテーマ別ギャラリーと、2つのインスタレーションで構成されており、6階建ての百貨店内にわたる約1,300㎡の空間で展開されています。展示は、ルイ・ヴィトンの過去と現在を捉える4つの相互に関連した視点――歴史、ライフスタイル、クラフツマンシップ、そしてコラボレーション――を広く紹介しています。

OMAパートナーの重松象平は次のように述べています。「ソウルでは、ヴィジョナリー・ジャーニーズが初めて歴史ある百貨店に入り、買い物、文化体験、ホスピタリティを融合させるルイ・ヴィトンのアプローチの中核を担う存在となっています。この展覧会は、小売空間と公共空間をつなぐコネクターとして構想されています。明確なテーマを持つ環境が歴史的な階段アトリウムに開かれ、ルイ・ヴィトンの多様な創造性の一端をダイナミックに垣間見せます」

展覧会の序章として、地上階にはサイトスペシフィックなインスタレーションが設けられています。それは、270個の「Boite Chapeau（ハットボックス）」で構成されたアーチ状の「トランクスケープ」で、ルイ・ヴィトンの店舗へと誘う没入型の入口を形成しています。ヴィジョナリー・ジャーニーズは、5層目のフロアにあるOrigins（起源）から始まります。そこでは、ブランドの歴史が、韓国の伝統的な屏風を想起させる多面体の木製フレーム上に、資料や文書、切り抜きが雲のように集積するかたちで表現されています。

いくつかの展示では、メゾンの進化の過程が探求されています。先駆的なトランクの創造的な再解釈から、多様なライフスタイルに対応する革新に至るまで。Watches（ウォッチズ）では、ルイ・ヴィトンが手がけたタイムピースが中央のスペースに時系列で展示されており、ウォッチ・トランクのモチーフがパネルやスクリーンとなって部屋全体を包み込んでいます。Picnic（ピクニック）では、来場者は“屋外”のように演出された空間に現れます。そこでは、ポータブル・トランクやテーブルウェア、キャンピングカーが芝生の上に展示されています。Personalization（パーソナライゼーション）では、トラベルファッションにおける個性が強調されます。カスタマイズされたトランク群を分解し、ギャラリーのようなアーカイブとして創造することで、唯一無二の表情を持つ各トランクが展示されています。

スノヘッタによる、フランス・パリの店舗「Canada Goose Paris」
ファッションダウンブランドの旗艦店のプロジェクトです。建築家は、“境界のない”というコンセプトを掲げ、シグネチャールックに根ざしながら“美的表現を超える”空間を志向しました。また、インテリアからデザインガイドラインまで包括的に手掛けています。店舗の場所はこちら（Google Map）。

こちらはリリーステキストの翻訳です（文責：アーキテクチャーフォト）

スノヘッタの小売コンセプトに基づいたカナダグースのパリ旗艦店がオープン

集合的なアイデンティティ、風景の持つ変革力、異文化間のつながりに根ざした包括的なグローバルストアコンセプトが、シャンゼリゼ通りに新たに加わりました。

カナダグースと同様に、スノヘッタのデザイン理念も、集合的なアイデンティティ、自然への変わらぬ敬意、そして社会を豊かにし異文化間のつながりを生み出す風景の変革力に根ざしています。このコラボレーションは、スノヘッタにとって初の包括的なグローバルストアコンセプトとなり、インテリア、商品什器、店内グラフィック、ビジュアルマーチャンダイジング戦略のためのデザインガイドラインを確立しています。

新しいカナダグースの店舗に対する私たちのアプローチは、「境界のない」（Boundless）というコンセプトに集約されています。このデザインは、ブランドのシグネチャールックに根ざしながら、冒険、探検、そして無限の可能性という感覚を発信することで、単なる美的表現を超えることを目指しています。

「カナダグースは最も過酷な気候から身を守るために誕生し、私たちのデザインは、快適さとコミュニティの場を創出することで、この伝統を称えています」と、スノヘッタのインテリアアーキテクチャー部門ディレクター、アン＝レイチェル・シフマン（Anne-Rachel Schiffmann）は語りました。

新しいパリの店舗では、ファサードに頑丈なアルミニウムの外装が施されており、それは極地の過酷な環境にも耐えられるよう設計された輸送用コンテナの実用的なデザイン言語を取り入れたものです。この参照は、物質的にも象徴的にもカナダグースの伝統と調和しており、風や雪、氷に満ちた過酷な気候に耐えるために必要な強靭さを想起させます。アルミニウムの表面には、光を受けてきらめく雲母の粒がさりげなく施されており、新たに降り積もった雪に反射する太陽の輝きを模しています。それは詩的な側面を加え、工業的な厳格さを柔らかさの瞬間によって和らげています。

店内への導入は意図的かつ綿密に構成されており、フォワイエを通って入るようになっています。フォワイエは、交錯する二面性を強調する境界空間です。それは、外の世界から店内への意味のある移行と遮断として機能します。賑やかな通りからの一時の休息であり、またアミューズ・ブーシュのような役割を果たすこのフォワイエは、パリの人々に意味を喚起する木材で覆われています。それは、オスマン様式の内装によく使われるフレンチオークです。オーク材のテーブルの上に置かれた、カナダ人彫刻家マイケル・ベルモア（Michael Belmore）による石造の暖炉「Smouldering Among the Char and Ash（炭と灰の中でくすぶる）」は、消えかけた焚き火の揺らめきと輝きを思わせる幻想を生み出し、訪れる人々を迎え入れるとともに、屋外の感覚を店内にもたらします。

フォワイエを抜けたすぐ先には、カナダグースの「プロジェクト・アティギ」より「ロングテイル・アマウティ（2019）」が展示されています。これは、保温性と防護性の頂点として展示されており、最初のパーカを生み出したイヌイットのデザインを称える、柔らかな鎧の一形態です。この考えは、私たちの素材と空間のパレットにも広がっており、それは触覚的で、強靭で、洗練されています。店舗は、まばらな展示と、より没入感のある層状の環境との間を行き来し、製品が呼吸することも、存在感を強めることも可能にしています。エントランスを飾るのは、カナダ北極圏出身のイヌクのアーティストで作家のニンギウクル・ティービー（Ningiukulu Teevee）によるオリジナルドローイング「Tiptoe Through the Tundra」であり、それは印象的な大規模な漆喰の壁画として再構成されています。この構図は、豊かに装飾された衣服を繊細かつ図像的に描写することで、最初のパーカである伝統的なアマウティを称えています。

ネリ＆フーが設計した、香港の店舗「Craft and Monument / Piaget Flagship Boutique」です。
時計と宝飾品のブランドの旗艦店の計画です。建築家は、施主の技術の表現に加えて“場所自体への応答”も意図し、貿易や工業などの“地域の歴史や特質”を参照する設計を志向しました。そして、濃い青の特注タイルをブロンズで縁取った外観の建築を考案しました。

こちらは建築家によるテキストの翻訳です（文責：アーキテクチャーフォト）

「都市そのものが人々の集合的記憶であり、そして記憶のように、それは物や場所と結び付けられています。都市は集合的記憶の拠点です。この拠点と市民との関係は、やがて都市の主要なイメージとなります。建築においても景観においてもそれが表れ、ある種の人工物がその記憶の一部となるにつれて、新たな人工物が現れてくるのです」───アルド・ロッシ

ネリ＆フーによるカントンロードにおけるピアジェの新しい店舗のファサードは、九龍における歴史的建築の豊かさから着想を得ており、時計製造の伝統に不可欠な職人技への本質的な敬意を体現しています。青の微妙な濃淡で釉薬が施された特注のセラミックタイルが、この店舗に建築的な存在感を与えており、そこにカスタマイズされた金属やコンクリートの数々が加わります。これらすべてが、まるで精巧な楽器のように一体となって織り込まれているのです。このプロジェクトは、その店舗のファサードを宝石のように輝く都市の記念碑として称え、商業的な外観を再構成することで、新たな記念碑的存在感と公共的な力強さをもたらしています。

ネリ＆フーはこのプロジェクトにあたり、ピアジェの職人技とクロノグラフィーの分野における革新へのこだわりだけでなく、現地の場所そのものにも応答したいという思いをもって取り組みました。九龍の歴史ある港湾地域に位置するこのエリアは、独自の特性を備えています。かつて中国本土と接続していたカントン鉄道によって活気づけられたこの地域は、貿易と文化の活発な拠点となっており、そうしたダイナミックな交流は素材の選定にも反映されています。金属加工はこの地の工業的な過去を参照しており、一方でセラミックタイルは、1000年以上にわたり磁器を生産してきた景徳鎮から調達されています。アルド・ロッシは、その代表的な著作『都市の建築』の中で、記憶がどのようにして建築環境内の空間構造に結び付くかを説明しています。時の流れとともに、これらの構造物は現代の人工物に置き換えられ、それらが都市というキャンバスの上に新たな記録を描き出します。こうして新たな人工物が、都市の集合的記憶の一部となっていくのです。

OMA / 重松象平の会場デザインによる展覧会「ルイ・ヴィトン『ビジョナリー・ジャーニー』」です。
大阪中之島美術館で開催されています。建築家は、ブランド遺産の“空間的な翻訳”として構想し、11のテーマギャラリーからなる計画を考案しました。また、空間を背景ではなく物語に関与する存在とする為に“メゾンのデザイン原則”からも着想を得ています。
会期は、2025年9月17日まで。展覧会の公式ページはこちら。

こちらはリリーステキストの翻訳です（文責：アーキテクチャーフォト）

OMA / 重松象平によるルイ・ヴィトン：ビジョナリー・ジャーニー展が大阪中之島美術館で開幕

このプロジェクトは、ビジョナリー・ジャーニーとして初めて美術館で展示されるものであり、OMA / 重松象平とルイ・ヴィトンとの継続的な協働パートナーシップの一環です。

大阪、2025年7月15日 — ルイ・ヴィトン：ビジョナリー・ジャーニーが一般公開されました。中之島美術館の2,200㎡にわたって展開され、11のテーマギャラリーが、相互に関連する4つのゾーンの中で、ルイ・ヴィトンのアイデンティティの基礎となる側面を伝えるように統制されています。4つのゾーンとは、歴史、タイムレスなコード、クラフトの背景にあるプロセス、文化的対話です。各部屋は、物語が連続して展開する中で異なる舞台として構想されており、メゾンの創造性の多様さを反映して空間の多様性を提供します。

OMAパートナーの重松象平は述べています。「今回、日本で初めて美術館で開催されるビジョナリー・ジャーニー展において、ルイ・ヴィトンとのコラボレーションを継続できることを嬉しく思います。私たちはこの展覧会に、ルイ・ヴィトンのレガシーを空間的に翻訳するものとして取り組みました――それは、モノを通じた旅だけでなく、アイデアを通じた旅でもあります。展示構成は、トランクを単なる所持品の入れ物としてではなく、想像力や物語、文化的交流の器として称えています。日本における貿易とクラフトマンシップを世界へとつなぐ歴史的な役割を担ってきた大阪は、メゾンのアイデンティティ――クラフトの歴史から、絶えず広がり続ける再解釈の多様性に至るまで――を探求し伝えるのにふさわしい舞台を提供してくれました」

来館者は、館内に入るとまず、5層吹抜のアトリウムの天井から吊るされた8つの記念碑的なランタンに出会います。これらの彫刻的な柱は、モノグラム和紙で包まれたトランク状の形を、6つの構成で積み重ねています。高さ12.5メートルのランタンは、5層吹抜の空間の壮大な高さを強調しながら、やわらかな光を放ち、展示への歓迎的な最初の出会いを演出しています。

旅は、展示の入口に設けられたドラマティックな半球形のインスタレーションを通して続いていきます。138個の本物のトランクで構成され、ガラスの床に反射するこの構造物は、完全な地球儀を形作っており、探検というテーマへのオマージュとなっています。この自立構造は、トランク自体の構造的な強度のみによって支えられており、メゾンの構造技術を特徴づける強さと軽さのバランスを示しています。

展示全体を通じて、日本は重要なテーマ的役割を果たしています。ルイ・ヴィトンと日本に特化したギャラリーでは、ブランドと日本との間にある深い芸術的・文化的交流が探究されており、伝統的な衣装や武士の鎧からカワイイ文化に至るまで多岐にわたります。ルイ・ヴィトンの所蔵品および日本各地の美術館からの貸出品である、歴史的および現代のアート作品、衣装、オブジェが、畳を思わせるシンプルでモジュール式のプラットフォームを用いて丁寧に構成されています。

ルイ・ヴィトンの創造的な遺産と独自のコードは、それらの進化をたどる各部屋で探究されています。「Origins（起源）」の部屋では、ブランドの歴史における6つの時代が、本物の竹を手織りして作られた特注の骨組みの上に編み込まれています。このバスケットのような構造は、ルイ・ヴィトンと日本文化のあいだで共有されているクラフトマンシップへの敬意を物語っています。アイコニックなモノグラム・キャンバスは、2つのギャラリーで探究されており、日本からの物品を含む初期の開発とインスピレーションから、クラシックおよび現代的な応用に至るまでが紹介されています。

MVRDVによる、メキシコの「ティファニー・ファサード・カンクン」です。
バリアリーフに近い海岸の商業施設内の店舗の為に計画されました。建築家は、“サンゴ”の網目形状から着想し、外から内に向けてブランドカラーから砂の色に変化する3Dプリント製のファサードを考案しました。また、内装は現地のバルマセダ（Balmaceda）が手掛けています。

こちらはリリーステキストの翻訳です（文責：アーキテクチャーフォト）

2024年にオープンした、メキシコのカンクン海岸にあるティファニーの店舗は、ロッテルダムを拠点とする建築家MVRDVによって設計された特別なファサードを特徴としています。地元のサンゴ種に触発され、3Dプリントされたこのカンクンのファサードは、MVRDVがティファニーのために制作した一連のデザインの中で2番目のものであり、2023年にオープンしたシンガポール・チャンギ空港の店舗の3Dプリントファサードと多くの特徴を共有しています。この2回目の試みにおいては、シンガポールで開発された技術がさらに洗練されており、構造的な革新によって、テーマに地元の要素を取り入れたひねりが可能になっています。

その店舗は、カンクンのホテルゾーンにあるオープンエアのショッピングセンターのラ・イスラ・ショッピング・ビレッジ（La Isla Shopping Village）に位置しています。店舗がビーチに近いことは、店舗のインテリアデザイナーであるバルマセダ（Balmaceda）にとって明確なインスピレーションとなり、バルマセダは地元の素材や工芸品に加えて海のモチーフを取り入れ、素朴なカリブの美学をエレガントに解釈したデザインを創り出しました。MVRDVのデザインチームはこれを出発点とし、内装を引き立てる自然主義的なファサードを作り上げました。

カンクンは、世界で2番目に大きいバリアリーフであるメソアメリカン・バリアリーフのすぐそばに位置しているため、デザインチームは、カリブ海原産でシーファン（※ウミウチワ）として一般に知られるゴルゴニア属のサンゴの枝分かれした網目状の形状からインスピレーションを得ました。このサンゴ模様は、ビーチから着想を得たカラ―グラデーションで3Dプリントされており、ファサードの長さ全体にわたって、またその奥行き75ミリメートルを通じて変化し、ティファニーのシグネチャーカラーであるブルーから、カンクンのビーチを思わせる明るい砂色へと移り変わっていきます。