スノヘッタによる、フランス・パリの店舗「Canada Goose Paris」
ファッションダウンブランドの旗艦店のプロジェクトです。建築家は、“境界のない”というコンセプトを掲げ、シグネチャールックに根ざしながら“美的表現を超える”空間を志向しました。また、インテリアからデザインガイドラインまで包括的に手掛けています。店舗の場所はこちら（Google Map）。

こちらはリリーステキストの翻訳です（文責：アーキテクチャーフォト）

スノヘッタの小売コンセプトに基づいたカナダグースのパリ旗艦店がオープン

集合的なアイデンティティ、風景の持つ変革力、異文化間のつながりに根ざした包括的なグローバルストアコンセプトが、シャンゼリゼ通りに新たに加わりました。

カナダグースと同様に、スノヘッタのデザイン理念も、集合的なアイデンティティ、自然への変わらぬ敬意、そして社会を豊かにし異文化間のつながりを生み出す風景の変革力に根ざしています。このコラボレーションは、スノヘッタにとって初の包括的なグローバルストアコンセプトとなり、インテリア、商品什器、店内グラフィック、ビジュアルマーチャンダイジング戦略のためのデザインガイドラインを確立しています。

新しいカナダグースの店舗に対する私たちのアプローチは、「境界のない」（Boundless）というコンセプトに集約されています。このデザインは、ブランドのシグネチャールックに根ざしながら、冒険、探検、そして無限の可能性という感覚を発信することで、単なる美的表現を超えることを目指しています。

「カナダグースは最も過酷な気候から身を守るために誕生し、私たちのデザインは、快適さとコミュニティの場を創出することで、この伝統を称えています」と、スノヘッタのインテリアアーキテクチャー部門ディレクター、アン＝レイチェル・シフマン（Anne-Rachel Schiffmann）は語りました。

新しいパリの店舗では、ファサードに頑丈なアルミニウムの外装が施されており、それは極地の過酷な環境にも耐えられるよう設計された輸送用コンテナの実用的なデザイン言語を取り入れたものです。この参照は、物質的にも象徴的にもカナダグースの伝統と調和しており、風や雪、氷に満ちた過酷な気候に耐えるために必要な強靭さを想起させます。アルミニウムの表面には、光を受けてきらめく雲母の粒がさりげなく施されており、新たに降り積もった雪に反射する太陽の輝きを模しています。それは詩的な側面を加え、工業的な厳格さを柔らかさの瞬間によって和らげています。

店内への導入は意図的かつ綿密に構成されており、フォワイエを通って入るようになっています。フォワイエは、交錯する二面性を強調する境界空間です。それは、外の世界から店内への意味のある移行と遮断として機能します。賑やかな通りからの一時の休息であり、またアミューズ・ブーシュのような役割を果たすこのフォワイエは、パリの人々に意味を喚起する木材で覆われています。それは、オスマン様式の内装によく使われるフレンチオークです。オーク材のテーブルの上に置かれた、カナダ人彫刻家マイケル・ベルモア（Michael Belmore）による石造の暖炉「Smouldering Among the Char and Ash（炭と灰の中でくすぶる）」は、消えかけた焚き火の揺らめきと輝きを思わせる幻想を生み出し、訪れる人々を迎え入れるとともに、屋外の感覚を店内にもたらします。

フォワイエを抜けたすぐ先には、カナダグースの「プロジェクト・アティギ」より「ロングテイル・アマウティ（2019）」が展示されています。これは、保温性と防護性の頂点として展示されており、最初のパーカを生み出したイヌイットのデザインを称える、柔らかな鎧の一形態です。この考えは、私たちの素材と空間のパレットにも広がっており、それは触覚的で、強靭で、洗練されています。店舗は、まばらな展示と、より没入感のある層状の環境との間を行き来し、製品が呼吸することも、存在感を強めることも可能にしています。エントランスを飾るのは、カナダ北極圏出身のイヌクのアーティストで作家のニンギウクル・ティービー（Ningiukulu Teevee）によるオリジナルドローイング「Tiptoe Through the Tundra」であり、それは印象的な大規模な漆喰の壁画として再構成されています。この構図は、豊かに装飾された衣服を繊細かつ図像的に描写することで、最初のパーカである伝統的なアマウティを称えています。

ネリ＆フーが設計した、香港の店舗「Craft and Monument / Piaget Flagship Boutique」です。
時計と宝飾品のブランドの旗艦店の計画です。建築家は、施主の技術の表現に加えて“場所自体への応答”も意図し、貿易や工業などの“地域の歴史や特質”を参照する設計を志向しました。そして、濃い青の特注タイルをブロンズで縁取った外観の建築を考案しました。

こちらは建築家によるテキストの翻訳です（文責：アーキテクチャーフォト）

「都市そのものが人々の集合的記憶であり、そして記憶のように、それは物や場所と結び付けられています。都市は集合的記憶の拠点です。この拠点と市民との関係は、やがて都市の主要なイメージとなります。建築においても景観においてもそれが表れ、ある種の人工物がその記憶の一部となるにつれて、新たな人工物が現れてくるのです」───アルド・ロッシ

ネリ＆フーによるカントンロードにおけるピアジェの新しい店舗のファサードは、九龍における歴史的建築の豊かさから着想を得ており、時計製造の伝統に不可欠な職人技への本質的な敬意を体現しています。青の微妙な濃淡で釉薬が施された特注のセラミックタイルが、この店舗に建築的な存在感を与えており、そこにカスタマイズされた金属やコンクリートの数々が加わります。これらすべてが、まるで精巧な楽器のように一体となって織り込まれているのです。このプロジェクトは、その店舗のファサードを宝石のように輝く都市の記念碑として称え、商業的な外観を再構成することで、新たな記念碑的存在感と公共的な力強さをもたらしています。

ネリ＆フーはこのプロジェクトにあたり、ピアジェの職人技とクロノグラフィーの分野における革新へのこだわりだけでなく、現地の場所そのものにも応答したいという思いをもって取り組みました。九龍の歴史ある港湾地域に位置するこのエリアは、独自の特性を備えています。かつて中国本土と接続していたカントン鉄道によって活気づけられたこの地域は、貿易と文化の活発な拠点となっており、そうしたダイナミックな交流は素材の選定にも反映されています。金属加工はこの地の工業的な過去を参照しており、一方でセラミックタイルは、1000年以上にわたり磁器を生産してきた景徳鎮から調達されています。アルド・ロッシは、その代表的な著作『都市の建築』の中で、記憶がどのようにして建築環境内の空間構造に結び付くかを説明しています。時の流れとともに、これらの構造物は現代の人工物に置き換えられ、それらが都市というキャンバスの上に新たな記録を描き出します。こうして新たな人工物が、都市の集合的記憶の一部となっていくのです。

OMA / 重松象平の会場デザインによる展覧会「ルイ・ヴィトン『ビジョナリー・ジャーニー』」です。
大阪中之島美術館で開催されています。建築家は、ブランド遺産の“空間的な翻訳”として構想し、11のテーマギャラリーからなる計画を考案しました。また、空間を背景ではなく物語に関与する存在とする為に“メゾンのデザイン原則”からも着想を得ています。
会期は、2025年9月17日まで。展覧会の公式ページはこちら。

こちらはリリーステキストの翻訳です（文責：アーキテクチャーフォト）

OMA / 重松象平によるルイ・ヴィトン：ビジョナリー・ジャーニー展が大阪中之島美術館で開幕

このプロジェクトは、ビジョナリー・ジャーニーとして初めて美術館で展示されるものであり、OMA / 重松象平とルイ・ヴィトンとの継続的な協働パートナーシップの一環です。

大阪、2025年7月15日 — ルイ・ヴィトン：ビジョナリー・ジャーニーが一般公開されました。中之島美術館の2,200㎡にわたって展開され、11のテーマギャラリーが、相互に関連する4つのゾーンの中で、ルイ・ヴィトンのアイデンティティの基礎となる側面を伝えるように統制されています。4つのゾーンとは、歴史、タイムレスなコード、クラフトの背景にあるプロセス、文化的対話です。各部屋は、物語が連続して展開する中で異なる舞台として構想されており、メゾンの創造性の多様さを反映して空間の多様性を提供します。

OMAパートナーの重松象平は述べています。「今回、日本で初めて美術館で開催されるビジョナリー・ジャーニー展において、ルイ・ヴィトンとのコラボレーションを継続できることを嬉しく思います。私たちはこの展覧会に、ルイ・ヴィトンのレガシーを空間的に翻訳するものとして取り組みました――それは、モノを通じた旅だけでなく、アイデアを通じた旅でもあります。展示構成は、トランクを単なる所持品の入れ物としてではなく、想像力や物語、文化的交流の器として称えています。日本における貿易とクラフトマンシップを世界へとつなぐ歴史的な役割を担ってきた大阪は、メゾンのアイデンティティ――クラフトの歴史から、絶えず広がり続ける再解釈の多様性に至るまで――を探求し伝えるのにふさわしい舞台を提供してくれました」

来館者は、館内に入るとまず、5層吹抜のアトリウムの天井から吊るされた8つの記念碑的なランタンに出会います。これらの彫刻的な柱は、モノグラム和紙で包まれたトランク状の形を、6つの構成で積み重ねています。高さ12.5メートルのランタンは、5層吹抜の空間の壮大な高さを強調しながら、やわらかな光を放ち、展示への歓迎的な最初の出会いを演出しています。

旅は、展示の入口に設けられたドラマティックな半球形のインスタレーションを通して続いていきます。138個の本物のトランクで構成され、ガラスの床に反射するこの構造物は、完全な地球儀を形作っており、探検というテーマへのオマージュとなっています。この自立構造は、トランク自体の構造的な強度のみによって支えられており、メゾンの構造技術を特徴づける強さと軽さのバランスを示しています。

展示全体を通じて、日本は重要なテーマ的役割を果たしています。ルイ・ヴィトンと日本に特化したギャラリーでは、ブランドと日本との間にある深い芸術的・文化的交流が探究されており、伝統的な衣装や武士の鎧からカワイイ文化に至るまで多岐にわたります。ルイ・ヴィトンの所蔵品および日本各地の美術館からの貸出品である、歴史的および現代のアート作品、衣装、オブジェが、畳を思わせるシンプルでモジュール式のプラットフォームを用いて丁寧に構成されています。

ルイ・ヴィトンの創造的な遺産と独自のコードは、それらの進化をたどる各部屋で探究されています。「Origins（起源）」の部屋では、ブランドの歴史における6つの時代が、本物の竹を手織りして作られた特注の骨組みの上に編み込まれています。このバスケットのような構造は、ルイ・ヴィトンと日本文化のあいだで共有されているクラフトマンシップへの敬意を物語っています。アイコニックなモノグラム・キャンバスは、2つのギャラリーで探究されており、日本からの物品を含む初期の開発とインスピレーションから、クラシックおよび現代的な応用に至るまでが紹介されています。

MVRDVによる、メキシコの「ティファニー・ファサード・カンクン」です。
バリアリーフに近い海岸の商業施設内の店舗の為に計画されました。建築家は、“サンゴ”の網目形状から着想し、外から内に向けてブランドカラーから砂の色に変化する3Dプリント製のファサードを考案しました。また、内装は現地のバルマセダ（Balmaceda）が手掛けています。

こちらはリリーステキストの翻訳です（文責：アーキテクチャーフォト）

2024年にオープンした、メキシコのカンクン海岸にあるティファニーの店舗は、ロッテルダムを拠点とする建築家MVRDVによって設計された特別なファサードを特徴としています。地元のサンゴ種に触発され、3Dプリントされたこのカンクンのファサードは、MVRDVがティファニーのために制作した一連のデザインの中で2番目のものであり、2023年にオープンしたシンガポール・チャンギ空港の店舗の3Dプリントファサードと多くの特徴を共有しています。この2回目の試みにおいては、シンガポールで開発された技術がさらに洗練されており、構造的な革新によって、テーマに地元の要素を取り入れたひねりが可能になっています。

その店舗は、カンクンのホテルゾーンにあるオープンエアのショッピングセンターのラ・イスラ・ショッピング・ビレッジ（La Isla Shopping Village）に位置しています。店舗がビーチに近いことは、店舗のインテリアデザイナーであるバルマセダ（Balmaceda）にとって明確なインスピレーションとなり、バルマセダは地元の素材や工芸品に加えて海のモチーフを取り入れ、素朴なカリブの美学をエレガントに解釈したデザインを創り出しました。MVRDVのデザインチームはこれを出発点とし、内装を引き立てる自然主義的なファサードを作り上げました。

カンクンは、世界で2番目に大きいバリアリーフであるメソアメリカン・バリアリーフのすぐそばに位置しているため、デザインチームは、カリブ海原産でシーファン（※ウミウチワ）として一般に知られるゴルゴニア属のサンゴの枝分かれした網目状の形状からインスピレーションを得ました。このサンゴ模様は、ビーチから着想を得たカラ―グラデーションで3Dプリントされており、ファサードの長さ全体にわたって、またその奥行き75ミリメートルを通じて変化し、ティファニーのシグネチャーカラーであるブルーから、カンクンのビーチを思わせる明るい砂色へと移り変わっていきます。

OMA / 重松象平の会場デザインによる、韓国・ソウルでの展覧会「クリスチャン・ディオール、夢のクチュリエ」です。
東大門デザインプラザを会場に開催されています。建築家は、メゾンの歴史と同国の文化遺産に光を当てる為、伝統的な住居や工芸品を参照して全体構成や展示空間を構想しました。そして、中央の大空間の周りに様々な個性のある小ギャラリーを連続させました。会期は、2025年7月13日まで。展覧会の公式ページはこちら。アーキテクチャーフォトでは、同展の日本開催時の様子も特集記事として紹介しています。

こちらはリリーステキストの翻訳です（文責：アーキテクチャーフォト）

クリスチャン・ディオール、夢のクチュリエ展がソウルで開幕、展示デザインはOMA / 重松象平が手掛ける

クリスチャン・ディオール、夢のクチュリエ（Christian Dior: Designer of Dreams）展が東大門デザインプラザ（DDP）で開催中です。これは、OMAによるクリスチャン・ディオール・クチュールとの4回目の展示デザインとなります。

デンバー美術館（2018年）およびダラス美術館（2019年）での「Dior: From Paris to the World」、そして東京都現代美術館（2022年）での「Christian Dior: Designer of Dreams」におけるOMAの展示デザインに続き、ソウルでの展覧会では、メゾン ディオールの70年以上にわたる創造の歴史と、韓国の文化遺産に焦点を当てることを目的としています。

OMAのパートナーである重松象平は述べています。「韓国の豊かな文化的背景から得た要素をデザインに取り入れ、『クリスチャン・ディオール、夢のクチュリエ』の新たな体験をソウルにもたらすことができ、とても嬉しく思います。部屋や壁のないDDPのアートホールのその広大で開かれた空間は、私たちに演出的アプローチを概念的にも空間的にも拡張する自由を与えてくれました。テーマごとの部屋は遊び心のあるスケールと形状で構成され、リズミカルな旅路を演出しています。小さく親密な空間が、大きくスケールアップされたシーンへと導きます――パリの街並みを歩いたり、スカートや瓶の中に入ったり、トンネルのようなキャビネットを通ったり、果てしないアーカイブに迷い込んだり、幻想的な螺旋階段を上ったり――観る者をディオールの世界に包み込みます」