ファラが2017年に完成させた、ポルトガル・ポルトの、アート作品の為の仮設のフォリー「folly for an art piece」。多層的なレパートリーを通じて、新古典主義とポストモダンの両方の、神殿、仮設建築、玩具になることが目指されました。現在は解体されたようです。

ファラは、フィリップ・マガリャインシュ（filipe magalhães）、アナ・ルイサ・ソアレス（ana luisa soares）、アーメッド・ベルホジャ（ahmed belkhodja）の3人が主宰する建築設計事務所で2013年に設立されました。それぞれ、SANAA、伊東豊雄、アトリエ・ワンという日本の設計事務所に勤務やインターンした経験をもつことも特徴です。またフィリップとアナは、日本滞在中は中銀カプセルタワーに居住していました。

こちらは、建築家によるテキストの翻訳

傾斜した庭に未知のアート作品のための一時的なアートギャラリーを設置。敷地は遠隔地でありながら絶対的なものであり、概要は漠然としていて推測の余地があるものでした。

フォリー（folly）とは、その言葉が示すように、機能的な理由よりも芸術的な表現のために考えられた、贅沢で軽薄な、非現実的な建物のことです。このアートギャラリーは、まさにそのようなものでした。多層的なレパートリーを通じて、新古典主義とポストモダンの両方の、神殿、仮設建築、玩具になることを目指しました。

誤解を招くような合理的な構造が、立方体のヴォリュームを囲んでいます。木の要素の理解できる測定基準は、開口部のプロポーションと一見任意の色の中のミスマッチに発見します。台座は、建物と傾斜地との関係を消し去っています。黒い大理石の2つの円が入り口を示し、赤い梁が内部空間を横切っています。内部には5脚のラウンジチェアが置かれ、巨大な建築物の中に、どことなく家庭的な雰囲気を醸し出しています。

瞑想と余暇をテーマにしたショートフィルムのアート作品は、公園と建築の軽快さの両方と対話しています。おそらく、
フォリーは建築言語にとって、この映画が娯楽にとってそうであったように、喜びと反省に満ちた寄せ集め…半分おもちゃ、半分神殿、半分感覚的なものでした。

OMA / エレン・ヴァン・ルーン、レム・コールハースによる、ドイツ・ベルリンの老舗百貨店の改修「カーデーヴェー・ベルリン（KaDeWe Berlin）」の第一段階です。歴史ある建物を4つの象限に分割し“コアヴォイド”を挿入することで、デジタル革命以後の現代に適合した施設に再定義することが意図されました。

こちらは建築家のテキストの翻訳

カーデーヴェー（カーデーヴェー）は、パリのギャラリー・ラファイエット（Galeries Lafayette）、ロンドンのセルフリッジズ（Selfridges）、ミラノのラ・リナシェンテ（La Rinascente）など、ヨーロッパの歴史的な都市型デパートの統合された伝統に属しています。歴史的に見て、これらのデパートは、洗練された工芸品、社会的交流、サービスの実験のためのインキュベーターとして機能し、初期の近代的な小売の柱の一つとなってきました。

1907年の開店以来、カーデーヴェーは常に商品選択の最前線にいると同時に、顧客サービスの新しい基準を打ち立ててきました。ヨーロッパ大陸で最大のデパートであるそのユニークなサイズは、都市のようなものでもあります。つまり、小道、広場、近隣、アクティビティ、景色の3次元ネットワークが、その大きな拡張部分を通して展開され、商業的、社会的、文化的な出会いの機会を提供しているのです。その進化は、ドイツの近代史を反映しています。20世紀初頭に誕生し、第二次世界大戦で破壊され、1950年代には戦後復興と経済的成功のシンボルとして再生しました。

20世紀後半の変化、加速する世界経済の変化、デジタル革命により、カーデーヴェーのかつてのセットアップは時代遅れのモデルとなってしまいました。確立された小売モデルに代わるもの、つまり、デパートとその利用者、そして物理的・都市的環境との関係を再定義するモデルは、時を得たものです。

カーデーヴェーの変革に対する我々の提案は、戦術的なものです。
既存の建物を単一の塊として扱うのではなく、プロジェクトはそれを4つの象限に分割し、それぞれが異なる建築的・商業的性質を持ち、異なるオーディエンス（クラシック、実験的、ヤング、ジェネリック）をターゲットにします。一つの屋根の下に4つのデパートを配置することで、元々の建物を、アクセスしやすく、移動しやすい小さなパーツに分割しています。これは、統一された都市構造の中に組み込まれた、異なる都市セクターのようなものです。

各区画はそれぞれ異なる通りの入り口に面しており、中央のアトリウムと主要な垂直循環スペースとして機能するコアヴォイドを中心に構成されています。デザインというよりもキュレーションに近いプロセスで、それぞれのヴォイドは特別に開発され、その結果、1つのデパートの中で4つの異なる空間体験と4つの効率的な組織モデルが生まれました。9階建てのビルの中で、ヴォイドは大きさと広がりを変え、反復を避け、各フロアをユニークなものにしています。ヴォイドは1階では消え、商業エリアでは変形し、ヴォイドの1つは新しい屋上に達しています。

十字型の組織システムは、各商業フロアの象限儀の存在を強化しています。このシステムは、スペースの使用、一般的な流通、1つの象限と他の象限との間の移行、ブランドとキュレーションされたスペースとの関係を規制すると同時に、予期せぬプログラムの注入を可能にしています。この建物は、複数の条件や用途を可能にするインフラとして機能しています。

もともとあったアーチ型の屋上は、コンパクトなガラスのボリュームとなり、既存の建物の輪郭から有機的に伸びています。ヴォイドの1つを通り抜けると、最後にエスカレーターのランプがあり、ここからベルリンの広大な景色を眺めることができます。新しい屋上の構成は、新しい建築物とビルの他の部分との間にオープンエアの中庭を作り出しています。不規則な形をしたこの中庭は、屋外プログラムのためのスペースを提供すると同時に、カーデーヴェーの最もエキサイティングでありながら最も秘密のスペースである食品ラボを公開しています。

二俣公一 / ケース・リアルが設計した、東京・神宮前の「Gallery COMMON」です。既存開口部の再構成で、ギャラリーの理想的な壁量と安定的な調光環境を備えた空間とした上で、鉄骨梁を利用した可動壁によって様々な展示シーンをつくることが意図されました。施設の公式サイトはこちら。

東京、原宿エリアにあるアートギャラリー「Gallery COMMON」の移転に伴う内装計画。
施主は原宿を拠点に様々なアートスペースを運営しているクリエィティブエージェンシーで、「Gallery COMMON」においても独自の視点で選び抜かれた作品を通して、新たな価値観やカルチャーを発信してきた。

移転先となったのは、外部階段から直接アプローチが可能な、鉄骨建築の地下一階フロア。地下には珍しく圧倒的な天井高さがあり、さらには区画の外周が四方ドライエリアで囲まれていたため、地上階とは異なる柔らかい自然光が入ってくる環境であった。この特徴は空間として非常に魅力的であったが、ギャラリーとしてはガラス面が多く、展示を行うためには支障があった。

そこで打ち合わせを重ねた結果、私たちは室内の採光を最も広いドライエリアのある一面のみに集約し、それ以外の開口部は白い壁として再構成し直すことにした。これにより、空間全体では理想的な壁量を確保しつつ安定的な調光環境を作ることが可能になると共に、その一部にはドライエリアと連続した明るい特徴的な空間を作ることができた。